Es un evento de la corporación artística ImaginEros que por medio de propuestas escénicas y actividades académicas, las cuales difuminan los límites entre las artes, las ciencias humanas y otras formas de saberes culturales, da a conocer en Medellín otros referentes que no encajan en los cánones artísticos tradicionales.
Artistas Invitados
Didanwy Kent Trejo
(México)
Doctora y maestra en Historia del Arte por la UNAM.Tiene estudios de Licenciatura en Letras modernas italianas en la Facultad de Filosofía y Letras. Es Profesora de tiempo completo en el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.
Se ha interesado por investigar las diversas manifestaciones de las artes escénicas en particular la ópera, pero también las prácticas artísticas contemporáneas y lo que ella llama “el respectador” ante la liminalidad de la experiencia teatral.
Mariana Pimentel
(Brasil)
Artista de danza, curadora, gestora y productora cultural.
Sus trabajos autorales abordan tensiones políticas entre el cuerpo, el espacio, la identidad y la noción de comunidad, siendo presentados en Portugal, Francia, Suecia, Austria, Italia y Brasil.
Erika Bulle
(México)
Activista, gorda, feminista y performer.
Doctora en artes y diseño de la UNAM, directora de la editorial autogestiva Cuerpa Lab.
Es ilustradora, poeta, ensayista, docente e investigadora. Cuenta con 20 años de experiencia como docente y conferencista sobre activismo gordo y performance a nivel internacional teniendo como objetivo la búsqueda del respeto a las corporalidades disidentes.
Tiene una amplia trayectoria en el campo de investigación del performance y el Arte del cuerpo.
Nadia Granados
(La Fulminante)
(Bogotá )
Artiste escénico y visual egresade de la Universidad Nacional de Colombia. -Máster en Arte y Diseño por la Universidad Autónoma de México.
Une de les artistas más destacades dentro de la escena performativa activista latinoamericana. Que tese. Su práctica artística cuestiona las estrategias de manipulación que existen detrás de los distintos sistemas de representación que circulan por los mass media, haciendo una crítica directa a estas estructuras de poder simbólico mediante música, performances y recursos audiovisuales.
Leifer Hoyos Madrid
Maestro en artes plásticas e historiador. Magíster en Artes.
Investigador en temas de arte y vestuario, a través de un discurso de resistencia al sistema mismo. En su trabajo creativo aborda conceptos como la ilustración, la historia, el jardín, el género, y el vestuario.
Colectivo El Cuerpo Habla
El Colectivo Artístico El Cuerpo Habla es un grupo de Medellín, Colombia, dedicado al arte acción, investigación y pedagogía. A través del estudio y la práctica del performance, exploran la relación entre arte, cuerpo y ciudad, reflexionando sobre los discursos de la sociedad actual. En su laboratorio expandido, hombres y mujeres se exponen para denunciar los horrores de la guerra, la violencia contra la mujer, la insensibilidad humana y otros temas, en actos de resistencia y rechazo.
Carlos Mario Jaramillo
Maestro en artes plásticas e historiador. Magíster en Artes.
Investigador en temas de arte y vestuario, a través de un discurso de resistencia al sistema mismo. En su trabajo creativo aborda conceptos como la ilustración, la historia, el jardín, el género, y el vestuario.
Fernando Arcángel
Actor y director de teatro, amante de la escritura, la fotografía y el arte en todas sus manifestaciones.
Campesino apasionado por las grandes ciudades, acompañante de procesos ganadores de estímulos al arte y la cultura de la Alcaldía de Medellín, Magíster en estudios teatrales y cinematográficos.
Jaime Carvajal
Músico experimental y artista sonoro de Medellín, Colombia. Egresado de Música con énfasis en composición de la Universidad de Antioquia. Su interés principal está centrado en la reflexión y profundización del sonido como material plástico y expresivo en distintas áreas de creación, lo que lo ha llevado a participar en diversos proyectos y colectivos musicales, escénicos, performáticos y audiovisuales.
Al paso escénico
Compañía de danza contemporánea de la ciudad de Medellín que investiga la estética de los cuerpos Latinoamericanos para la investigación-creación escénica y formativa en danza.
Trabaja a partir de investigaciones y exploraciones en relación al cuerpo-memoria, cuerpos en tránsito, la de-construcción del cuerpo, el cuerpo fragmentado, diálogos continuos, la des-articulación y la dramaturgia en la danza. Que han nutrido nuestros proyectos de investigación-creación a lo largo de estos 11 años de trabajo, con el interés de dar un aporte al mundo de la danza contemporánea colombiana y latinoamericana.
Juan Gonzalo Saldarriaga
Nacido en Medellín (1965). Ha sido músico por afición. Ingeniero Mecánico de la Universidad Nacional (1994). Se desempeña actualmente como Jefe de Servicio Técnico en Yamaha Musical.
Colectivo ImaginEros
ImaginEros es una empresa cultural con una vocación en creación teatral que la lleva a indagar en otras áreas artísticas, bajo la intención de desjerarquizar el texto dramático para que esté en igualdad de condiciones frente a lo visual, a lo plástico y cada elemento de la puesta en escena tenga una importancia relevante (corporalidad, iluminación, sonoridad, entre otras), con el objetivo de trasegar en los umbrales del arte contemporáneo y clásico.
De esta forma, se adelantan estrategias para facilitar al actor construir una relación de hibridación entre su cuerpo y la escenografía o el objeto escenográfico que favorezca el encuentro de un movimiento singular, de una presencia corporal en el aquí y ahora (propuesta basada en la performance).
taller y muestra Lavar Corazones
Formulario de inscripción para el taller Lavar Corazones de Mariana Pimentel (Brasil).
"Lavar Corazones" es una residencia de performance y creación colectiva que tiene
como base mapear preguntas latentes en cada participante para la construcción
de micro performances que puedan inspirar respuestas temporales frente al
atravesamiento de la radicalidad del presente.
Sobre las prácticas que haremos en el taller:
En el ejercicio de construcción de una performance colaborativa, experimentaremos prácticas regenerativas; el juego Modo Operativo AND, creado por la artista y antropóloga brasileña Fernanda Eugenio; la Standing Meditation (meditación activa de pie) a
partir de las concepciones del artista y profesor de danza estadounidense Steve
Paxton; y ejercicios inspirados en el trabajo del filósofo indio Krishnamurti.
Activaremos, sintonizaremos y calibraremos nuestro cuerpo a través de prácticas
somáticas vinculadas a la danza y al yoga tibetano.
Costo del taller: $200.000
Cupos máximos: 10
Fechas: Del martes 4 de noviembre al viernes 7 de noviembre en Edificio La Naviera - Cra. 50 #52-26, La Candelaria, Medellín
Presentación del resultado: Sábado 8 de noviembre en Imagineros Sala - Cl. 70 #44-86, Manrique Central, Medellín
Horarios: De 1 a 5 p.m.
galería de versiones pasadas
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Disciplina es una palabra que se asocia con ciencia, orden, asignatura, obediencia, método, regla, norma y quien creyera, también lleva siglos asociada al arte, a las Bellas Artes. 
Ellas no habrían tenido el auge que tuvieron en el siglo XVIII sin la complicidad de las disciplinas y los cánones. Se ha creído y se cree que la indisciplina es vulgar, no tiene categoría, no está a la altura del Arte con A mayúscula, de lo Bello con B de bueno. Pero ante ese artista obediente, sumiso, aliado de las instituciones había -hay- otro creador, rebelde, descreído de las imposiciones, transgresor, que no negociaba con el poder, con el elogio de los cultos. 
Poco a poco el piso canónico se fue agrietando con el surgimiento de artes, acciones indisciplinadas, desbordadas, eclécticas, promiscuas como las que tenemos en Liminales 11, un encuentro que sigue -como en sus diez versiones anteriores- promoviendo la indisciplina.
Somos un evento desbaratado, desordenado, descualquierado que reúne creadores de las prácticas escénicas contemporáneas en Medellín con propuestas que difuminan los límites entre las artes, las ciencias humanas y otras formas de saberes culturales.
Encuentro Internacional de Prácticas Escénicas Contemporáneas fue la décimo primera versión del encuentro realizada entre el 5 y 9 de noviembre del 2024 en la ciudad de Medellín. Para esta versión del evento los países invitados fueron Perú y México, además de la participación de una invitada nacional y varios colectivos y creadores locales quienes presentando sus propuestas de investigación-creación en las prácticas escénicas a través de eventos artísticos y actividades académicas.
Apoyan: @centroculturalfacartes @escenicoalpaso @museodeantioquia @cultura.med @andariegando_ando
*Todo el registro fotográfico alojado en esta página web, es de Jaime Aguilar Amaya.
INVITADES
CRUDO Colectivo
(Peru)
Después de estudiar derecho y ejercerlo, a sus 33 años José Avilés encontró en la danza un espacio “de sanación”. La danza lo volvió curioso, inquieto por la experiencia del cuerpo, las diversidades estéticas, los contextos sociopolíticos y lo colectivo. CRUDO Colectivo piensa la investigación en torno al cuerpo y la performance. En su historia, que comienza en 2014, destacan las propuestas Máquina, Luna, Aycha y Toro.
Cenizas (Peru)
Preguntarnos: ¿Qué es la memoria? ¿Qué la constituye? Si ¿recordar es un acto creativo? y ¿Qué tanta realidad y ficción se entreteje? Son preguntas que gatillan este proceso y que CRUDO desde una perspectiva autobiográfica intenta responder con el cuerpo y la sonoridad enlazado inevitablemente a imaginarios colectivos e íntimos. Finalmente ¿Quiénes somos?
CRUDO Colectivo: Procesos creativos y prácticas colaborativas
En esta charla giró en torno al el colectivo CRUDO, sus líneas de acción, procesos colaborativos de gestión y la investigación desarrollada en la práctica escénica. Recorreremos a manera de línea de tiempo, los principales hitos en la creación del colectivo.
Lechedevirgen Trimegisto
(México).
Hace brujería y deshace el Arte por medio de maleficios culturales. Se busca en las líneas del posporno, las disidencias sexuales y de género. Desde niñe, cuando en el kinder le ponían a dibujar y hacer manualidades, supo de su relación con el arte que fue madurando en el tiempo con lecturas clandestinas, con experiencias que le mostraron otras visiones estéticas que no encajaban en la norma, en lo hegemónico.
Aunque pasó por la academia, esa que institucionaliza el arte, reivindica el empirismo, la formación autodidacta en la que ha encontrado maneras libres de expresarse frente a lo que le duele, a lo que le confronta. Se piensa antipatriarcal, anticolonial, antirracista, travesti y autore.
Pesadillas húmedas: Transvestiario de los horrores
Sesiones espirituales con trances inducidos por popper, strippers nahuales licántropos, vampiresas anales, amarres sellados con lluvia de sangre, danzas satánicas, pactos sexuales con entidades demoníacas y orgías con tlahuelpuchis transexuales que producen pesadillas húmedas, son algunos de los actos que configuran este performance, combinando la disidencia sexual y el arte de performance con el género de terror.
La monstruosidad de las identidades, cuerpos y experiencias trans no binarias racializadas se despliega como clave de su poder como figuras de transformación política y cultural, poniendo al centro la rabia contra los mecanismos de estigmatización del supremacismo blanco, transfóbico y heteropatriarcal que generar patologización y criminalización.
Mala-güero: Taller de performance y escritura disidente
Este taller recupera la escritura en primera persona y el performance como una metodología torcida para la elaboración de venganzas simbólicas, amarres conceptuales, presagios antifurutistas y estrategias anticoloniales y antirracistas para la construcción de otras narrativas que desde lo autobiográfico desafían los privilegios y opresiones estructurales de la matriz de dominación del sistema moderno-colonial.
El título del taller hace referencia a un juego de palabras entre malagüero (un vaticinio que anuncia una desgracia o tragedia) y la palabra “güero” que en el contexto mexicano se utiliza para nombrar a las personas blancas de cabello rubio, como una metáfora de un ejercicio subversivo contra la blanquitud colonial.
Muestra Mala-güero: Taller de performance y escritura disidente.
Esta muestra es el resultado del proceso creativo realizado en Mala-güero: Taller de performance y escritura disidente. Se llevó a cabo en el Parque de San Ignacio y consistió de tres momentos: Lectura de textos en primera persona a partir de una palabra que tuviera relación directa con la experiencia de vida del participantx, un producción de un presagio antifuturista sobre Medellín y el renombramiento del mismo espacio a partir de la voz de quienes habitaban ese día el parque.
Karin (Carolina Vargas Posada) (Pereira).
El barrio La Esperanza es uno más en las alturas de la comuna 6 de Medellín. Allí nació Karin, la que estudiando Artes Plásticas le llegaban preguntas por ese sector del 12 de Octubre que siempre habitó. Cómo se construyó? Cuál fue el papel de las mujeres en ese proceso? Por qué se sabe tan poco de ellas? Qué hay de las que vendían empanadas? De las lideresas? De las pregoneras? No encontró respuestas en los libros, sino en intensas conversaciones con familiares y vecinas. “Tengo que contar esta historia, la que no aparece” se dijo.
La Razonera
La Razonera busca traer al presente la figura de una mujer que, en los años 80, recorría las calles del barrio La Esperanza, en la comuna 12 de Octubre de Medellín, anunciando sucesos, celebraciones y causas a través del perifoneo (referencia tomada del libro Las voces de La Esperanza de Luis Emiro Álvarez). Karín revisita esta práctica con la intención de resignificarla, utilizando el perifoneo y un recorrido por las mismas calles y cuadras que su madre transita habitualmente para asistir al grupo de la tercera edad. Este grupo ha sido un espacio clave donde Karín ha encontrado historias de mujeres fundadoras del barrio, las cuales lee durante el recorrido, poniendo en evidencia el papel fundamental de estas mujeres en la historia y el desarrollo de la comunidad.
En el marco del festival Liminales 11, el performance ha sido adaptado debido a su carácter situacional. Mientras que originalmente se realizaba en el barrio, en esta ocasión se traslada su esencia y los elementos simbólicos del territorio hacia los alrededores del Museo de Antioquia. Este nuevo contexto permite conectar las historias del barrio con los significados y dinámicas que habitan en el espacio del museo.
Razones para cuidar
En un primer momento, la charla se dirigió a evidenciar el recorrido crearivo de Karín, centrado en el cuidado y su proceso creativo más reciente: el proyecto Cimentarse: La mujer y la casa-barrio, del cual surge su performance La Razonera. Asimismo, se incluyeron sus incursiones en la escritura y el video experimental con una indagación en torno a la figura de La madre, y se destacó su trabajo comunitario en el barrio La Esperanza junto a las mujeres de su cuadra. El cierre estuvo dedicado a explicar en detalle el proceso de creación de Cimentarse.
La segunda etapa consistió en una invitación al público, en la que la creadora propuso compartir historias sobre mujeres que hayan sido fundamentales en la construcción y desarrollo de sus comunidades. Estas historias se narraban utilizando el megáfono, con un interés en performar a La Razonera desde la posición del espectador, pretendiendo crear un espacio de memoria y participación colectiva. La actividad culminó con un compartir de empanadas de una de las mujeres que viven en el barrio La Esperanza..
Julio Salazar
(Medellín).
Trabajador del campo, empleado de banco, secretario de colegio, Artista Plástico, Maestro en Antropología, jefe del departamento de Artes visuales de la Universidad de Antioquia, bailarín de danza Odissi, promotor de actividades artísticas, actor y performer, Julio Cesar Salazar si que ha vivido.
Ese niño de Concordia que en la escuela ponía especial cariño en hacer los dibujos para Biología y los mapas para Geografía siempre ha estado muy conectado con el arte aunque por razones económicas haya tenido que dedicarse a otras cosas por un tiempo. Es en la performatividad - él piensa que es el lenguaje artístico en el que puede reunir todas las cosas que ha hecho en la vida- que ha encontrado la mejor manera de expresarse y de preguntarse por nuestra relación con el mundo, con el planeta.
Re-Unión
Re-unión sucede en la unión con la performatividad de lo ritualístico, lo festivo, lo ancestral. Esta combinación de lenguajes, elementos, simbologías; propicia el encuentro, reta a la audiencia seduciéndola y se deslinda de formas tradicionales del quehacer artístico.
En Re-Unión no hay espectadores sino participantes que en la interacción con los actantes, propician el acontecimiento de la fiesta interrogando otras formas de la socialidad, de la interacción en la reapropiacion de elementos de la tradición connotados prejuiciadamente.
Colectivo Trabazón + Colectivo ZonaSuspendida + Mariana Rentel.
Sin saberlo, a Juan Carlos Pabón fue la mamá la que lo volvió artista. Él recuerda su niñez, sus mañanas y sus tardes absorbiendo las canciones y las radionovelas que su mamá escuchaba a diario. Ya en la escuela y en el colegio no le fue difícil bailar joropo, declamar, ganar concursos de canto, disfrazarse para actuar. Aunque estudio para abogado, terminó inevitablemente siendo actor, docente y luego director en su trascurrir de casi treinta años en el Teatro Popular de Medellín pero no dejó de aprender y se fue a estudiar de una manera más profunda el cuerpo y sus prácticas somáticas mediante un método que propone ablandar el entrenamiento para que el aprendizaje no sea desde el esfuerzo ni desde la meta como objetivo, sino desde el proceso. Haciendo la Maestría en Artes se da cuenta que su casa, la que tardo 17 años en construir ladrillo a ladrillo, era la obra escenográficas más grande que había hecho en su vida.
Una cosa reversible
Esta propuesta nace en el seno del Segundo Encuentro de Investigación Somática "Somos Soma" organizado por la Licenciatura en Danza de la Universidad de Antioquia, en donde Juan Carlos Pabón le propone a un colectivo de danza, una artista plástica y un músico, realizar lecciones de Autoconciencia a través del movimiento del método Feldenkrais, como mecanismo de entrenamiento para la acción y que en unión con una maqueta casa y varios elementos personales de los interpretes, se convierten en dispositivos para acceder a una improvisación compositiva.
Colectivo ImaginEros (Medellín).
Angela Chaverra y Soraya Trujillo se conocieron en los 90. Podrían haber coincidido antes en otros espacios como en el de la Universidad de Antioquia, pero fue en el mar de San Bernardo en dónde hicieron clic. Allí no paraban de hablar y de hablar, del teatro, del arte, de la vida. Y fue tanto el parloteo que las apodaron Las urracas. Luego Soraya se inventó ImaginEros y en algún instante invitó a Angela a crear con ella.
Una historia de amor, Bruja, Doña Colombia, Lycantropos y Yersinia Pestis son las propuestas en las que han juntado, la una como directora, la otra como actriz. Desde jóvenes les inquietó la pregunta por el arte, por sus formas, y de alguna y muchas maneras se volvieron transgresoras de los cánones impuestos por las llamadas Bellas Artes: la Chaverra desde la academia como docente de la UdeA y como creadora del colectivo El cuerpo Habla. La Trujillo como líder del Colectivo ImaginEros. Ya con los años encima, aquellas urracas han vuelto a la juntanza en una propuesta artística. El mar donde se sellaron su amistad ahora es un río en que ellas habitan convertidas en bagres. Eso sí, no han dejado de echar chachara.
Los Bagres
De noche, bien arregladas, en los claroscuros de la rumba, pueden parecer sirenas. Es al amanecer, ante la implacable luz del sol, que se revela su verdadera especie: son bagres y no hay maquillaje, depilación, hidratación de piel, tratamiento de belleza, hada madrina que las transforme en princesas. Antes de ser bagres fueron sardinas. Inspiraron piropos, deseos y hasta han sido amadas.
Por desgracia fue la época análoga, la de la fotografía en papel y escasos videos. Su belleza juvenil no la registró ni Facebook ni Instagram, solo está en la memoria de quienes las acariciaron de jóvenes y las vieron caminar cual top model por las pasarelas de la UdeA, por los Festivales de Teatro, por los rumbeaderos del Centro. Los bagres es una apuesta ecléctica, una acción performática en la que Angela Chaverra y Soraya Trujillo -interpretándose a ellas mismas- se harán una pregunta por el envejecer, sobre lo que fueron, lo que son, sobre el “ser de otra época” que no es más que esta en la que están viviendo.
Lilith Border (Medellín).
Desde que tiene uso de razón, las artes y especialmente la danza han estado presente en la vida de Lilith Border. Su primer recuerdo de la niñez está en la guardería, bailando la cumbia soledeña en la celebración del Día de la madre. Desde ahí no ha dejado de bailar, en el colegio, en el Tecnológico de Antioquia, en la EPA en donde estudió Danza Folclórica. Pero más que como bailarina e interprete, se veía como formadora, directora, coreógrafa y por eso hace catorce años -cansada de la danza folclórica tradicional y del activismo LGTB convencional- crea Otredanza, una compañía que en sus apuestas, propuestas, reúne además de la danza, disciplinas como el teatro, la música, el canto y la performance.
Con experiencias únicas y complejas, Otredanza denuncia, visibiliza, reivindica y propone otras maneras de ser y asumirse como persona diversa y disidente de las normas sexuales y de género.
Confe-cierto sabor a Marik Floklórica.
En formato de conferencia- alternando con intervencjones musicales- La Piroba comparte algunas reflexiones desde lo personal, lo artístico, lo político y lo académico acerca de sus múltiples tránsitos, trasehares y luchas como sujeta disidentes de las normas del sexo y el género. EL recorrido está atravesado por la autobiografía, la etnografía, el análisis comparativo y la investigación creación. La conferencia magistral se estructura en tres momentos: 1. Memorias de mis múltiples e inacabados tránsitos 2. Danzas folclóricas liminales: arte, lucha y acción política. El caso de Otredanza 3. ¡Yo, Liminal!
Majé (Medellín)..
Disidente sexual, no binaria, travesti, amante del show, de la moda, Majé salió de las montañas de Nariño rumbo a las de Antioquia con el sueño de ser una estrella. Se metió a estudiar Arte en el Alma Mater y en el camino su deseo encontró otras perspectivas que lo están construyendo. Cuando se trepa y camina por las calles puede ser una diva que con sus faldas, sus blusas, sus colores, sus tacos, atrapa miradas como si fuera una vitrina andante, como algo efímero que se puede contemplar pero no tocar.
El cuerpo, su cuerpo trepado, tiene un gran poder simbólico… es consumo, es posesión, es deseo, es un objeto, es un trofeo que se puede poner exponer en una vitrina, al igual que un balón, al igual que un cáliz. El futbol -ese patriarcado-, la religión -ese fanatismo- completan junto con la moda, la trilogía actual de sus búsquedas desde el arte.
Un Trozo de carne...
“Un Trozo de carne...” es una acción en la que Majé pretende apropiarse del fanatismo futbolero a través de símbolos y gestos que cosifiquen su cuerpa a manera de objeto/trofeo. El gesto performativo utiliza el postporno como herramienta discursiva que le permite habitar las cosas sexuales y sensuales que hay antes, entre y después de la diferencia sexual con el fin de reflexionar sobre el “agotamiento de la carne”.!
Encuentro Internacional de Prácticas Escénicas Contemporáneas. Fue la décima versión del encuentro realizada entre el 9 y 11 de noviembre del 2023 en la ciudad de Medellín. Para esta versión del evento, el país invitado fue Inglaterra y, junto a este, estuvieron varios invitados locales presentando sus propuestas de investigación-creación desde eventos artísticos y actividades académicas.
Yónatan Tobón Arango - (Medellín).
Egresadx en artes escénicas y estudiante de último semestre de artes visuales. Ha sido integrante de la Corporación Artística ImaginEros desde el 2016 en dónde se ha desempeñado en áreas de docencia, actuación, dirección y coordinación de programación.
Yónatan ha dedicado su quehacer artístico al teatro contemporáneo y la performance enfocando sus procesos de creación-investigación en temas relacionados con los sistemas de colonialidad presentes en el arte, la imagen pornográfica y las disidencias sexuales y de género.
Regímenes de visualidad e imagen performativa
El arte contemporáneo puede ser entendido como un conglomerado de prácticas que develan, evidencian, favorecen o denuncian los discursos de poder. En este sentido, esta charla quería hablar de dos aspectos que parecieran ser importantes para el arte contemporáneo: Los regímenes de visualidad, en tanto reguladores de las miradas para el acoplamiento de los cuerpos en un campo cultural, y la performatividad de la imágenes, en tanto elementos que fracturan, irrumpen, desconfiguran y actualizan los dispositivos de visualidad.
Juan Gonzalo Saldarriaga - (Medellín).
Ingeniero Mecánico de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín. Es autodidacta en flauta traversa así como en composición músical, armonía y contrapunto y se ha desempeñado en el área de docencia en música y reparación técnica de instrumentos en Yamaha Corportion. Desde el año 2007 trabaja en el estudio de la producción musical con software libre, en plataforma Linux (distribución Musix) y desde el 2010 estudia el texto La Teoría y la Técnica de la Música Electrónica (The Theory and Technique of Electronic Music) de Miller Puckette, asociado al programa Pure Data “… un ambiente para la realización rápida de aplicaciones con el fin hacer música en el computador, hecho con la intención primaria de hacer presentaciones de música en vivo.” (The Theory and Technique of Electronic Music – M. Puckette, 2006.).
Estudios sonoros electroacústicos
Compañía Colombia Cultural - (Medellín)..
Ingeniero Mecánico de la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín. Es autodidacta en flauta traversa así como en composición músical, armonía y contrapunto y se ha desempeñado en el área de docencia en música y reparación técnica de instrumentos en Yamaha Corportion. Desde el año 2007 trabaja en el estudio de la producción musical con software libre, en plataforma Linux (distribución Musix) y desde el 2010 estudia el texto La Teoría y la Técnica de la Música Electrónica (The Theory and Technique of Electronic Music) de Miller Puckette, asociado al programa Pure Data “… un ambiente para la realización rápida de aplicaciones con el fin hacer música en el computador, hecho con la intención primaria de hacer presentaciones de música en vivo.” (The Theory and Technique of Electronic Music – M. Puckette, 2006.).
Tierra
Vamos a abrir un portal, un espacio sorprendente durará tres horas, donde la TIERRA será el principal foco de nuestra investigación. Las hojas (lo que se ofrece), las raíces (lo que nos cimienta y sostiene), y los árboles (nuestras aspiraciones de vida) servirán como puntos de partida en este viaje. Un lugar donde se espera se generen múltiples sensorialidades y reacciones.
Juan Camilo Londoño - (Medellín).
Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia (2011), Magíster en Investigación Artística de la Universidad Complutense de Madrid (2013) y recientemente recibió el título de Doctor en Artes de la Universidad de Antioquia (2023).
Comenzó a explorar el arte del performance en algunos ejercicios académicos durante su carrera de pregrado. Después de eso, se interesó en la teoría crítica, principalmente a través de la docencia y el estudio. Como artista profesional, su trabajo se encuentra en los cinco años iniciales, participando en exposiciones locales como "Medellín a Cielo Abierto" en el Museo de Antioquia (2019) y "Lo que te diga es mentira" en la Universidad Nacional, una residencia artística local en Casa Tres Patios (2015), y una residencia internacional en R.A.T en Ciudad de México (2015). Sus líneas de investigación-creación están relacionadas con preguntas sobre distancia y cercanía social, desigualdades, conflictos culturales, prejuicios e interseccionalidad.
Tácticas decoloniales de género en el performance
Huge Sillytoe - (Inglaterra).
Huge Sillytoe es un dedo de pie enorme y tonto. También es un artista/activista multidisciplinario e investigador (auto)etnográfico que propone sus acciones y obras como exploraciones de su filosofía artística-política de absurdo-anarquismo pragmático.
Crea performances con máscaras, títeres, instrumentos musicales hechos a mano, y esculturas interactivas a menudo construidas de materiales recuperados de la basura. A veces trabaja solo o como parte de diferentes colectivos. Haciendo lo mejor de su posición artística única como un dedo de pie enorme, tonto, y metamórfico, busca crear performances que desafíen percepciones normativas del ‘sentido’ y socaven las jerarquías de poder/conocimientoto vinculado con tal ‘sentido’ construido. Así espera abrir el camino hacía un mundo más extraño y más justo. Produciendo vestuarios estrambóticos y máscaras estrafalarias y asumiendo los personajes que nacen de ellos, mientras ayuda a otros para hacer lo mismo, Huge instiga nuevos modos de relacionalidad que puede llevar a los participantes de sus performances a construir nuevos lazos.
La soledad del sapo comiéndose un trapo
Vamos a abrir un portal, un espacio sorprendente durará tres horas, donde la TIERRA será el principal foco de nuestra investigación. Las hojas (lo que se ofrece), las raíces (lo que nos cimienta y sostiene), y los árboles (nuestras aspiraciones de vida) servirán como puntos de partida en este viaje. Un lugar donde se espera se generen múltiples sensorialidades y reacciones.
nuestro noveno encuentro internacional de prácticas escénicas contemporáneas. #Liminales 9 llega con un entramado de propuestas -la mayoría con enfoque de disidencias sexuales y de género- que buscan explorar el mundo, la vida y la creación artística.
México es nuestro país invitado con @lechedevirgen por primera vez en Suramérica y @actoefimero. También tenemos una excelente lista de invitados nacionales y locales.
ARTISTAS INVITADXS.
"Los atributos de la liminalidad son necesariamente ambiguos. . . Las entidades liminales no están ni aquí ni allí; están entre las posiciones asignadas y dispuestas por la ley, la costumbre, la convención y el ceremonial".
-Victor Turner, El proceso ritual: Estructura y antiestructura (95)
Lechedevirgen Trimegisto - (México).
Lechedevirgen Trimegisto es el seudónimo del artista, curadorx y productorx mexicanx Felipe Osornio, conocidx por desarrollar una práctica artística expandida que abarca un amplio abanico de propuestas híbridas, combinando la disidencia sexual, la cultura popular, los saberes brujos y la ciencia con el arte de performance, la creación de imágenes, el video y la escritura.
Adiós al closet.
Vamos a abrir un portal, un espacio sorprendente durará tres horas, donde la TIERRA será el principal foco de nuestra investigación. Las hojas (lo que se ofrece), las raíces (lo que nos cimienta y sostiene), y los árboles (nuestras aspiraciones de vida) servirán como puntos de partida en este viaje. Un lugar donde se espera se generen múltiples sensorialidades y reacciones.
Inferno Varieté.
Lechedevirgen Trimegisto es el seudónimo del artista, curadorx y productorx mexicanx Felipe Osornio, conocidx por desarrollar una práctica artística expandida que abarca un amplio abanico de propuestas híbridas, combinando la disidencia sexual, la cultura popular, los saberes brujos y la ciencia con el arte de performance, la creación de imágenes, el video y la escritura.
el sábado se prende nuestra #CasaAnfitriona con la clausura de #liminales9🟢 y el performance a cargo de nuestro invitado internacional @lechedevirgen. Una jornada que promete movilizarnos y sensibilizarnos juntxs.
Jhon Alexander Barreto - (Bucaramanga).
Jhon Alexander Barreto Guerra es un cuerpo en tránsito nacido en Málaga, Santander. Dado a su proceso de formación del programa de danza de la Universidad de Antioquia y sus colaboraciones con artistas de Medellín le han llevado a realizar procesos de creación que problematizan las nociones de cuerpo, identidad y las tensiones entre cultura popular-tradicional y arte contemporáneo. Como artista a colaborado con Al paso Escénico, ImaginEros, Parpado Teatro, Xiua Danza, entre otros.
Jiesta- Chumadx.
Estoy chumadx,/ no se si vengo o si voy,/ se que aqui estoy. /Resueno/Sueno/Sueño/. Soy la suma de colores, olores, sabores/ y sudores./ Soy hijx de orixas,/ primx de las cabras, lxs matachines,/ familiar de William Dorsey/ y de todas las reinas arrastradas,/ hermane de todxs lxs mutantes de este universo./ En la Jiesta celebramos/ la vida y la muerte./ Soy un eco más de la Jiesta,/ las jotas vamos a la Jiesta,/ las jotas somxs la Jiesta./ Una jota somos todas.
Otredanza + La Piroba. (Medellín).
Otredanza significa “otredad” y significa “danza”. Más que un juego de palabras es un espíritu y un impulso creativo y es el reconocimiento y la reivindicación de la diversidad que somos y vivimos. Este espíritu y este impulso guían el proyecto social, pedagógico, político y artístico que encarna la Compañía fundada en Medellín en el año 2010 por Lillith Border, Julián Patiño, Oscar Arango y Alexis Restrepo.
Des-montaje maricas.
Es una serie de tres sketches coreográficos basados en los repertorios de danza folclórica tradicional colombiana para visibilizar y empoderar a las personas de la población LGBTIQ+. El primero, De Antioquia somos y locas nos declaramos, resignifica bailes tradicionales antioqueños como el Ventarrón, el Pasillo y el Bambuco. El segundo, El Caribe es fiesta y diversidad, tiene coreografías con Tambora, Fandango y Farotas. El tercero, con Salves, Bunde chocoano y Currulao se le rinde un tributo, una plegaria, un ritual, a Saimor -un joven trans asesinado en Medellín- que representa a todas las víctimas homolesbitransfobia en Colombia. Adicionalmente, La Piroba interpretará dos temas musicales inéditos y entre cada sketch, realizará cortas intervenciones orales a manera de desmontaje.
Antonio Prieto. (México).
Profesor-Investigador de tiempo completo en la Facultad de Teatro y el Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes de la Universidad Veracruzana, donde es Coordinador de la Maestría en Artes Escénicas. Miembro del Sistema Nacional de Investigadores del Conacyt, se especializa en teatro y performance mexicano actual, con particular interés en artistas que trabajan las dimensiones de género, nación, sexualidad y etnicidad. Tiene maestría en Estudios del Performance de la Universidad de Nueva York, y doctorado en Estudios Latinoamericanos de la UNAM. Editor de cuatro libros, entre ellos: Jerzy Grotowski. Miradas desde Latinoamérica (Universidad Veracruzana, 2011) y, junto con Elka Fediuk, Corporalidades escénicas. Representaciones del cuerpo en el teatro, la danza y el performance (Universidad Veracruzana, 2016).
Taller: “Introducción a las teorías y prácticas de la performatividad” Con Antonio Prieto
Stambaugh - México
El taller “Introducción a las teorías y prácticas de la performatividad” nos permitiremos ver los fenómenos escénicos o de corporalidad expresiva (teatro, danza, intervención urbana, arte acción, celebraciones rituales, etc.) como procesos para la transmisión de memoria, la resistencia política, la reinvención de identidades, la legitimación del poder, y la desconstrucción de discursos, entre otras posibilidades. En él se analizarán proyectos como el de Yuyachkani de Perú, Teatro da Vertigem de Brasil y Teatro Línea de Sombra de México, que ponen en escena la memoria personal y colectiva con problemáticas de violencia en latinoamérica.
También nos acercaremos al trabajo de artistas que articulan una corporalidad disidente para deconstruir la identidad de género. El performance es actuación tanto social como estética y política, que se mueve en un espacio liminal desde el cual se posibilitan prácticas transdisciplinarias que rompen con los límites canónicos de las artes escénicas mediante un diálogo crítico con las ciencias sociales y humanas.
Día 1. Performance y performatividad
(1 de noviembre)
• Nuevas teorías para nuevos fenómenos
• ¿Qué son y para qué sirven los estudios del performance?
Día 2. Escenarios liminales y teatro performativo
(2 de noviembre)
• El concepto de lo liminal en la escena latinoamericana
• Poéticas de la performatividad en la escena contemporánea.
Día 3. Performatividad documental, memoria y violencia
(4 de noviembre)
• Teatro documental
• Contra-representación de la violencia
Día 4. Performance de género e intervenciones cuir
(5 de noviembre)
• Arte acción: antecedentes
• El performance de la identidad y la perspectiva de género
• El performance cuir en Latinoamérica
Conversatorio: "Performance sexo diverso en México: entre el pornoterrorismo y la ternura radical".
El performance ha sido una práctica ampliamente utilizada por artistas LGBTQ+ para afirmar sus identidades y resistir tanto la
homofobia como la transfobia. A fin de transgredir la estigmatización, algunxs artistas ejercen el pornoterrorismo, postulado por Diana J. Torres como “una estrategia artístico-política para hacer de nuestros cuerpos la mejor arma”. La estrategia implica sacudir la moral judeocristiana a fin de celebrar y despatologizar la diversidad sexual. Más recientemente, Daniel B. Chávez y Dani D’Emilia postularon su manifiesto poético a favor de llaman la “ternura radical”, en el que proponen una práctica de cariño y cuidado afectivo entre cómplices de la disidencia sexual. En la conferencia Antonio Prieto abordará el trabajo de artistas performativos que en México juegan con las energías afectivas del ‘terror’ crítico y el deseo cómplice, no únicamente para afirmar la diversidad, sino también para reclamar justicia en un país devastado por la necropolítica, cuestionar la esfera pública fóbica, y resistir los embates del autoritarismo neofascista que busca someter a nuestro continente. Al mismo tiempo, se centrará en performances recientes de Lechedevirgen Trimegisto, Lukas Avendaño y Lía García para ilustrar el Conversatorio desde acciones que funcionan como ejemplos del tema central del mismo.
Emmanuel Gonzáles serna.
Artista (Actor, Cantante, Bailarín, Director, Productor) y Gestor Cultural del Valle de Aburra, Maestro en artes escénicas de la U de A, Diplomado en Pedagogía Waldorf, Estudiante de la Maestría en estudios Humanísticos de la Universidad Eafit. Apasionado por el trabajo escénico, actual Director y gerente de Compañía Colombia Cultural y Docente en el Colegio San Ignacio de Loyola..
intro.
Es la primera de muchas performances que como creativo de la escena él se propone a experimentar, es un espacio en el que el motor de la acción son las palabras. Hay en esta propuesta búsquedas personales, colectivas, de todos los involucrados, atentos a las posibles hibridaciones cronotópicas que puedan llegar a tener lugar.
Las Malas y La Chiki. (Bogotá)
Las Malas y la Chiki es una propuesta de creación musical y performativa en la que la lírica y las cuerpas están trepadas. Esta iniciativa nace en Bogotá en el 2019 con el trabajo de tres intérpretes que descubrieron una convergencia entre las necesidades e intereses desde la música y el activismo. Han creado una plataforma para hacerse visibles sin declaraciones ni manifiestos directos sobre sus orientaciones e identidades. Son malas por disolutas y se quieren díscolas en todas sus acciones creativas. Raras y sin género hacen músicas degeneradas con letras descastadas.
Las malas. Canciones Galas.
“El cuerpo de Lucas bailaba, el cuerpo de Lucas enseñaba, el cuerpo de Lucas miraba, el cuerpo de Lucas protestaba como él, como ella, como soy, como ando, como él, como ella, como soy. como ando…” el cuerpo, la vida, la lucha de Lucas Villa, asesinado en las protestas sociales de mayo de 2021 inspiró una de las tantas canciones de Las Malas y Chiki, esas líricas que hacen parte de sus montajes, de sus expresiones, de sus presencias mamarrachas que tienen en sus cuerpas, en sus indumentarias extravagantes , en sus decires, un mensaje de diversidad e igualdad, de reivindicación de los derechos de todos los sectores poblacionales. “Las Malas no estamos en la suela de sus zapatos ni en el lugar de las drag-ass. Somos más bien la daga que espera a sus oídos para pincharles de improviso a cada vuelta desprevenida de sus cabezas. ¡Nos vemos en la esquina, perras!”.
Bruno Tackels.
Este francés, de origen belga, es filósofo y crítico de teatro. Su libro “Walter Benjamin: una vida en textos” recibió en 2010 el premio Roland de Jouvenel otorgado por la Academia Francesa, y en 2017 el Premio Europeo de Ensayo Filosófico que se entrega a nombre de este filósofo alemán. Especialista también en la teoría moderna de la obra de arte, ha impartido la cátedra de estética en el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Rennes 2 Alta Bretaña. Tackels ha publicado diversos libros, algunos de los cuales han sido traducidos al español. Es crítico de teatro para la revista francesa Mouvement, de la cual es miembro del consejo editorial, y fue productor de programas en la cadena pública de radio francesa France Culture.
Carlos Mario Jaramillo.
Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional, doctor en Historia del Arte de la Universidad de Antioquia y docente de la Maestría en Arte de alma mater. También ha estado vinculado como investigador en la Red de Creación Escénica de Medellín.
Conversatorio: Huellas de la memoria efímera.
El conversatorio “Huellas de la memoria efímera” habla de la palabra en la experiencia de la escritura, la voz que conversa, habita en el cuerpo que la dice, que se dice a sí mismo en la palabra. La voz que encarna la lengua en el gesto de la cara, tanto como la palabra amurallada en el grafiti, y en la denuncia también se hace carne de la ciudad. La palabra es presencia en acción. De estas huellas de la memoria que habitan cuerpos y trayectos urbanos conversarán-hablarán Bruno Talker y Carlos Mario Jaramillo.
INVITADOS
"Soy el cantante: diario de una voz"
Ritmo&Blues/Soul:
con Yage Ensamble
Diana Osorio
"la performance (en Colombia y en el mundo), ha sido punto de encuentro de la acción política en el espacio público, la denuncia u homenaje simbólico y una reivindicación que demuestra resistencias y desacuerdos. La performance es más que un acto de fabulación, es el devenir del artista comprometido social, política, ética y poéticamente. Es la construcción de una subjetividad que vincula el arte y la vida cotidiana. La performance es un movimiento breve, un acontecimiento, que cambia el ritmo de una ciudad." (Osorio, Diana. 2021).
Ella es ella/ autorretratos
Proyecto de investigación, exploración y creación que indaga en otras representaciones, corpografías y presencias rizomáticas del cuerpo de las mujeres desde el arte de acción y que pretende cuestionar la relación entre las violencias de género, los delitos ecológicos y su prevención, y otros vínculos invisibles en la interacción colectiva, el espacio público y el patrimonio, en busca de la movilización del pensamiento, la empatía y conciencia en la construcción, presentación y bienestar de nuestros cuerpos femeninos, nuestros territorios y nuestro tiempo contemporáneo.
Juan Camilo Londoño
Licenciada en Bellas Artes de la Universidad de Antioquia (2011) y Magíster en Investigación Artística de la Universidad Complutense de Madrid (2013). He realizado diplomados en Museología en la Universidad Santo Tomás , Expresión oral en la Universidad de Medellín y Docencia Universitaria en la Universidad Pontificia Bolivariana . Me he desempeñado como docente de arte en la Fundación Universitaria Bellas Artes (2014-2019) y en la Universidad de Antioquia (2016-Actualmente). En 2018, me matriculé en el Doctorado en Bellas Artes de la Universidad de Antioquia , para estudiar sobre el arte performance en Colombia.
Selección social
Selección social es un performance relacionado con la trayectoria del artista, sobre la manera en la que nos relacionamos. En cómo aprobamos y desaprobamos a ciertas personas en un proceso de selección y exclusión relacionado directamente con las jerarquías sociales. En el ámbito corpóreo afectivo se hace visible cómo se estructura la sociedad. Ahora, muchos presumen de no ser clasistas o xenófobos, pero finalmente lo develan. De esta manera Selección Social juega con lenguajes de la vida cotidiana para hacernos preguntas complejas.
Alonso Zuluaga
Artista de amplia trayectoria, se dedica a la pintura y al performance o arte de acción.
Así son las cosas
Su nombre es Así son las cosas, que según el artista “Pretende hablar sobre las cosas. Cómo los seres humanos estamos al lado de las cosas. La relación de la humanidad con ellas, para acercarse a un entendimiento de la maquinaria del mundo”.
El Cuerpo Habla
El Cuerpo Habla nace en el 2003 como una materia electiva para los estudiantes de Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia. En el 2007 surge el semillero de investigación pero se consolida como colectivo artístico independiente en el 2009 por la necesidad de inquirir rigurosamente hacia la relación del arte, el cuerpo y la ciudad. Nuestra propuesta ha generado una pregunta sobre el acontecimiento de la carne en la ciudad de Medellín y cómo el cambio de paradigmas en el arte del siglo XX, ha dado lugar a la expansión de conceptos como el cuerpo, la representación, la resistencia y la fabulación que permiten diseñar hoy, nuevas estrategias en la construcción de tendencias artísticas en las que se integran diferentes técnicas y saberes, las cuales están abiertas a la multiplicidad, la divergencia y la variación.
TULPA
El Cuerpo Habla, en las afueras de la Sala ImaginEros, con Tulpa, parte de un trabajo de investigación llamado Manifestaciones de la carne, “un escenario político de crear comunidad y de llamar a ese pueblo que tanto necesitamos en estos momentos”, invita Angela Chaverra. Este colectivo artístico creado en 2009 ha explorado sobre la relación del arte, el cuerpo y la ciudad.
Zonasuspendida, EXPR y Vesna jokic
Somos un colectivo artístico indisciplinar dedicado a crear acciones escénicas-investigativas-formativas en torno al cuerpo como agente creativo-político-sensible. Nuestro trabajo se centra en la improvisación compositiva, como forma de creación en sí misma y ensayo permanente de la potencia que tienen las ideas que emergen de la interacción entre cuerpos que danzan. A través de una práctica de colectividad indagamos las inmensas posibilidades del momento presente al ofrecerse como espacios, atmósferas y experiencias que ponen sensaciones y cuestionamientos en acción. Exploramos distintos formatos escénicos capaces de abordar una concepción multidimensional del sistema de creación para generar encuentros que parten de un concepto expandido de coreografía como experimento artístico y social. Zonasuspendida está integrada por Brenda I. Steinecke Soto, Juliana Congote, Claudia Cardona y Juan Manuel Mosquera.
Es difícil encontrar un grillo
Zonasuspendida, EXPR Y Vesna Jokic, provocaron este encuentro para presentar en Liminales una práctica artística que se desenvuelven entre el sonido y el movimiento. La propuesta Es difícil encontrar un grillo, una acción interdisciplinaria que se mueve en la Liminalidad, entre los bordes, interconectando y expandiendo sus prácticas de laboratorio en una creación continua.
Carlos Mario Jaramillo
Doctor en artes de la U de A. Músico, artista plástico, docente e investigador presentará: Teatro Moral. Trazos históricos de una práctica artística en la educación colombiana, una reflexión sobre cómo han sido comprendidas las artes.
Teatro Moral. Trazos históricos de una práctica artística en la educación colombiana
Colectivo ImaginEros
En su que hacer ImaginEros tiene dos proyectos que se transversalizan. El primero es Entramados, que impulsa transformaciones de vínculos sociales y políticos por medio de la producción de prácticas artísticas que implican a la ciudadanía en la movilización, creación y producción de nuevos relacionamientos. El segundo es Creación, un ejercicio colectivo e investigativo que promueve el entrecruzamiento de saberes tanto artísticos como no artísticos.
Heme aquí...
Heme aquí, en la sede ImaginEros, en Manrique; una propuesta escénica que se pregunta por las maneras en cómo el arte clásico ha favorecido a las élites, a las hegemonías, generando así un tipo de estatuto del arte. Un trabajo grupal, en permanente transformación.
Juan Domingo Córdoba
El pianista Juan Domingo Córdoba, músico de amplia trayectoria en Medellín. En su propuesta.
Entre bordes. Charla concierto
Entre bordes. Charla concierto, el artista transitará por la música clásica, el bambuco y la improvisación.
PROGRAMACIÓN
PUBLICACIONES
¿Qué hay para hacer? Antioquia
5/11/2021
Si les gusta la música, el performance, las acciones en el espacio público, la danza, las artes visuales y demás expresiones artísticas que nos invitan a reflexionar alrededor de lo estético, lo ético y lo político, este plan que les recomendamos desde los 99.9 fm es para ustedes.
RADIÓNICA
www.radionica.rocks
Liminales: música, performance y arte en el espacio público de Medellín
Lilian Contreras Fajardo
3/11/2021
EL ESPECTADOR
www.elespectador.com
programación
INVITADOS
Susana Cook - Argentina
Artista de performance, dramaturga y directora residente en Nueva York. Ha sido una figura icónica del East Village por más de 20 años, donde ha presentado obras con su compañía, y monólogos de tono irreverente, audaz e inteligente; abordando el racismo, la homofobia, el clasismo y los derechos de los animales.
Sus espectáculos combinan su larga experiencia en el teatro político y la actuación experimental, con elementos de cabaret, creando así una experiencia teatral divertida, inteligente y, a menudo, catártica.
el uniforme, o la policía en drag
En esta ocasión nos trae una propuesta que se basa en la pregunta ¿y si los policías vistieran una ropa diferente? ¿no serán sus trajes masculinizados, rígidos y agresivos los que han impuesto una autoridad fallida?... Tal vez si los policías vistieran con atuendos de género más fluidos, nos harían sentir más seguros.
Puedes conectarte a la conversación a través de Facebook Live, nos encuentras como ImaginEros sala.
Óscar Cornago - España
Es doctor en Filología Hispánica, y tiene un posdoctorado del Instituto de Ciencias del Teatro de la Universidad Libre de Berlín. En la actualidad se desempeña como investigador del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid.
La mayor parte de su trabajo y obra la ha dedicado a los estudios sobre el teatro, la teatralidad, la performatividad y la teoría cultural. Ha impartido cursos y conferencias por Latinoamérica y Europa, y dirigido encuentros y seminarios en colaboración con artistas y plataformas de creación en torno a la idea de teatralidad y comunidad, economía de las prácticas artísticas, archivo y memoria, o relación entre artes y entornos públicos.
se alquila archivo vivo del actor
Para cerrar la séptima versión de Liminales, tendremos un evento que reúne a dos grandes personajes del teatro español contemporáneo: el dramaturgo e investigador Óscar Cornago, y al actor Juan Navarro.
Se alquila es una conversación imposible entre un investigador y un actor, entre un teórico y un artista, entre un cuerpo y una cabeza, o entre el pasado y el presente. Está construido como un archivo vivo de la trayectoria de Juan Navarro como performer, dramaturgo y creador escénico durante más de veinte años. Cada presentación se plantea como un capítulo más de este libro vivo que va variando en función del contexto, el público y las condiciones de producción que se dan en cada ocasión.
Sigue la transmisión a través de Twitch, en el enlace que pondremos en la biografía una hora antes del evento.
Juan Gabriel Torres
Es egresado de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Durante su experiencia profesional ha administrado, dirigido y dado clase en todo tipo de cosas, instituciones y causas, en lo cultural; y ha trabajado con los universos infantiles, hasta cierto punto, desde su quehacer como artista; ello ha resultado en varias exposiciones y muestras, individuales y colectivas en Colombia y Argentina.
Y por ser un gordo, y por el confinamiento, ha iniciado esta propuesta que intenta re- apropiar la imagen de lo gordo del régimen de representación de los discursos médicos para volverla algún fluido y eventualmente cualquier otra cosa que se le parezca o no, pero en todo caso... quiere creer que carne.
#chupameungordo
Sí #ChupameUnGordo es la propuesta de Juan Gabriel torres, para darle vuelta a todos esos códigos y expectativas sociales y de mercadeo que nos quieren decir qué cuerpos pueden ser representados y qué cuerpos no, qué cuerpos son válidos y qué cuerpos no.
Esto es una reapropiación divertida, amorosa, sensual y juguetona de la imagen de gordo.
primer capítulo de #ChupameUnGordo, proyecto de Juan Gabriel Torres con el cual busca hacer una reapropiación de la imagen de lo gordo.
Ya está aquí el segundo capítulo de #ChupameUnGordo, para intentar darle una vuelta a esos códigos que nos dicen qué cuerpos son válidos, y qué cuerpos no.
primer capítulo de #ChupameUnGordo, proyecto de Juan Gabriel Torres con el cual busca hacer una reapropiación de la imagen de lo gordo.
Ya está aquí el segundo capítulo de #ChupameUnGordo, para intentar darle una vuelta a esos códigos que nos dicen qué cuerpos son válidos, y qué cuerpos no.
Tercer y último capítulo de chupameungordo, una propuesta que intenta darle una vuelta a esos códigos sociales que determinan los cuerpos que son aceptados; mostrando el cuerpo gordo a veces desde el humor, a veces desde el juego, a veces desde el deseo, sacando su imagen del “dominio de lo indecible”.
Santiago Mesa
Es Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia y Magíster en Antropología. Se ha desempeñado como docente de la Facultad de Artes y Humanidades del ITM desde hace una década, en las cátedras de sociología de la cultura, historia del arte antiguo, historia del arte latinoamericano e investigación – creación. También he participado en diversos proyectos de gestión cultural y administración educativa de la ciudad.
umbrales del arte contemporáneo
Umbrales del arte contemporáneo, más que un conversatorio en un ensayo, en video y transmitido en vivo en el que Santiago Mesa y Julio César Salazar estarán hablando e intentando vislumbrar las diferentes características del acto creativo, revisando algunas ideas venidas de la filosofía (Deleuze) y otras de la antropología (Gennep); a la vez que se indaga por la experiencia artística.
Diana Osorio
Es actriz de teatro, performer, diseñadora gráfica, caminante, punkera y feminista contemporánea.
También, aficionada al yoga. Amante de las huertas y los animales.
ensayo para la sucia
Es una mujer, es una cuca de mujer, es perra, es gallina, devenir continuo. Es sucia, es esperpento, carroña; la sucia no tiene ningún poder de decisión, ningún estatus, un ser anodino. Pertenece a la clase más baja de seres vivientes, es una máquina de sexo y procreación; lógicamente sin esperanzas de prolongar la vida, es una máquina de abortos y es conforme con su ínfimo papel, todo el tiempo está desnuda, negra, cochina, sucia, con su cuerpo marcado, no presenta ninguna resistencia a botar sus excrementos cuando llega a ocurrir, genera una sensación de asco y repugnancia, no tiene deseos, no siente vergüenza.
NOTA IMPORTANTE: Esta acción contiene desnudos e imágenes que pueden herir la sensibilidad, por tanto pedimos discreción en su difusión. Aclaramos que es un evento exclusivo para mayores de edad.
colectivo el cuerpo habla
El Cuerpo Habla nace en el 2003 como una materia electiva para los estudiantes de Artes Plásticas de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia. En el 2007 surge el semillero de investigación pero se consolida como colectivo artístico independiente en el 2009 por la necesidad de inquirir rigurosamente hacia la relación del arte, el cuerpo y la ciudad.
pliegues
"Este es el sitio del taciturno y del enrollado y de la reanudación indefinida. Una mujer retira una camisa, que deja ver otra camisa, que ella retira, que deja ver otra camisa que ella retira, que deja ver otra camisa que ella retira, que deja ver otra camisa, y el descanso de la desnudez no llega nunca".
Pliegues es el performance con el cual @colectivoelcuerpohabla nos estará acompañando en #Liminales2020, una propuesta que surge a partir de pensar y sentirse desde el encierro; una apología a vernos enfrentados a habitar las pantallas y cómo se generan pliegues en esta cotidianidad.
Marco Antonio Giraldo
Que el tiempo no es absoluto y que está intrínsecamente ligado al espacio, es una de las lecciones más trascendentales de la física del siglo XX. Coincide este descubrimiento con el nacimiento de la física cuántica y de la relatividad especial. Estas áreas han marcado el pensamiento actual, no sólo en la física, sino en otras disciplinas del conocimiento. En esta charla se abordarán las bases históricas y algunas de las ideas más relevantes de esta lección espacio-temporal.
vacilaciones del tiempo y del espacio, en la física del siglo XX
en #Liminales2020 a un físico, sí físico, de los que estudian las partículas y las fuerzas que mueven el universo; pero este no es como cualquiera, se dedica a la biofísica, le interesan los cambios en el potencial eléctrico de las neuronas, las nanoestructuras que juegan con la luz en las alas de las mariposas y los colibríes;… y el cine; de hecho ya escribió su primer guión para largometraje y espera verlo pronto en la gran pantalla.
Nos estará hablando del tiempo y del espacio, de las propuestas teóricas que se dieron en el siglo pasado y cómo han impactado a todas las áreas más allá de la física.
Celina Villana
Una cita con las confidencias, el baile, y la sensualidad;
nuestra anfitriona será @celina_villana, una mujer drag enigmática y encantadora.
una noche a solas con celina villana
Celina Villana es una mujer drag queen, es una mujer galáctica, peluda y caprichosa. Tiene hechizo en la mirada, la noche y luna son su luz. En escena es dramática y una bailarina magnética e impulsiva. Su fina y sutil figura feminosa te demostrará lo bien que ejecuta su hechizo, entre luz y sombra. Ella te contará sus secretos, pero para concederte su luz, mírala a los ojos y déjale ser, la mujer de tus sueños.
semillero Cine Vivo
CINEVIVO es un semillero de Investigación Creación en Cinevivo y Narrativas Experimentales, conformado por estudiantes y docentes de la Facultad de Artes y Humanidades del ITM.
binary corpus
Binary Corpus es una pregunta, es una búsqueda que invita a reflexionar en torno a la idea de esos cuerpos que habitamos, cuerpos sin órganos que se proyectan, que se suceden, que se relacionan y crean conexiones, produciendo y transmitiendo significados; materia intensa y sin forma, matriz donde confluyen el placer, la realidad y la muerte. Mi cuerpo de hecho está siempre en otra parte, vinculado con todos los allá que hay en el mundo; y a decir verdad, está en otro lugar que no es precisamente este mundo, pues es alrededor de él que están dispuestas las cosas: es en relación a él, como si se tratara de un soberano, que hay un arriba, un abajo, una derecha, una izquierda, un delante, un detrás, un cerca y un lejos: el cuerpo es el punto cero del mundo, allí donde los caminos y los espacios se encuentran.
julio césar salazar zapata
Trabajador del campo, empleado de banco, secretario de colegio, Artista Plástico, Maestro en Antropología, jefe del departamento de Artes visuales de la Universidad de Antioquia, bailarín de danza Odissi, promotor de actividades artísticas, actor y performer, Julio Cesar Salazar si que ha vivido.
cuaternario
Este es un proyecto visual y sonoro que recoge cuatro instancias, con mirada subjetiva, sobre lo lúdico, lo racional, lo onírico y lo cósmico en el ser. A partir de un juego de luces y sombras y de ambientes sonoros, el actante interroga por estas instancias que atraviesan lo humano, lo determinan o liberan, lo aquietan o movilizan, y se constituyen en posibilidad o negación para configurar sentido.
Erika Bulle
Artivista gorda y performer, soy una feminista que cree en las interseccionalidades, busco el respeto a las corporalidades disidentes. No me apropio de la voz de las personas gordas,solo comparto mi voz para que seamos escuchadas.
artivismo gorde y arte de acción, una forma de exorcismo corporal.
Performer mexicana Erika Bülle (@BULLEPERFORMER), quien estará compartiendo con nosotros las experiencias de su trabajo llamado “112 kilogramos”, el cruce de la performance y el activismo gorde.
Esta es una experiencia con la cual la artista ha decidido hablar de forma corporal a través del arte de acción ofreciendo una respuesta poco amable quizás, a quienes piensan que la gordura, la vejez, la sexualidad no normativa, entre otras diversidades es motivo de exclusión y desecho.
CARNEXPERIMENTO
Es un proyecto de investigación y experimentación interdisciplinar enfocado en el cuerpo y toda su conformación física- anatómica, biomecánica, subjetiva, social y un gran etc. Su indagación está dispuesta a partir del performance, la danza contemporánea, la realización audiovisual, las artes plásticas y el diseño sonoro.
META/C.A.R.N.E.
Es una propuesta de @carnexperimento que se propone el cuestionamiento sobre la recuperación del instinto animal y corporal dentro de lo mediático, que reemplaza la estadía real del cuerpo hoy día; se cuestiona también el momento de desazón y olvido del mismo en la contemporaneidad, sugiriendo el reencuentro con la naturaleza perdida y la nostalgia de lo esencial de su existencia.
Es una propuesta de @carnexperimento que se propone el cuestionamiento sobre la recuperación del instinto animal y corporal dentro de lo mediático, que reemplaza la estadía real del cuerpo hoy día; se cuestiona también el momento de desazón y olvido del mismo en la contemporaneidad, sugiriendo el reencuentro con la naturaleza perdida y la nostalgia de lo esencial de su existencia.
carne & co-filminutos
Tendremos como invitad@s en #Liminales2020 desde Bogotá a carnexperimento, con una serie de 4 filminutos.
Del filminuto: “Meditatión With Maya Deren”, realizado en homenaje a la grandiosa Eleonora Derenkowsky, conocida como Maya Deren:
“Que el silencio tenga mi forma,
que de tiempo se haga mi sangre, que mi vientre escupa vacío y los vientos me estallen en su remolino, que el silencio me deje sin tiempo.
Que mi cuerpo se precipite al espacio certero de la carne,
en su utopía fantástica de no ser más que eso J.c.c.”
jorge william montoya
Profesor Asociado de la Universidad Nacional de Colombia. Sede Medellín. Adscrito al Departamento de Estudios Filosóficos y Culturales de la Facultad de Ciencias Humanas y Económicas. Es Zootecnista de la Universidad Nacional de Colombia, Magister en Historia de la misma Universidad y Doctor en Epistemología, Historia de las Ciencias y de las Técnicas de la Universidad París VII-Denis Diderot, Francia. En el 2006 la Universidad Eafit publicó su libro : La individuación y la técnica en la obra de Simondon, siendo la primera publicación en español sobre este autor. Una segunda edición del libro fue publicada en 2019 por la Editorial Aula de Humanidades y Profesional ITA. Participó en el libro colectivo : Amar a las máquinas. Cultura y técnica en Gilbert Simondon, publicado en 2015 por la Editorial Prometeo de Argentina y del Special Issue on Simondon,
publicado en 2019 por la revista Philosophy Today.
filosofía de la individuación
Jorge William, quien estará conversando con Ángela Chaverra (Colectivo artístico El Cuerpo Habla), sobre un tema recurrente en sus estudios y planteamientos “la filosofía de la individuación”, basada en la filosofía desarrollada por el francés Gilbert Simondon, y sobre quien Jorge escribió un libro en 2006.
conversatorio de gestores
El primer encuentro de gestores de Liminales reúne a Alejandro Jaramillo, Milton Afanador, Andrés Jaramillo y Soraya Trujillo; directores, gestores y creadores de festivales, encuentros y laboratorios escénicos del país; con la intención de propiciar diálogos, intercambios y entrecruzamientos entre los territorios y las estrategias de gestión que cada espacio ha gestado desde sus propias singularidades.
Convocamos a creadores comprometidos con la reflexión y producción de arte expandido en las fronteras de lo escénico y dedicados a producciones en la vía de la contemporaneidad; esto hace que nuestra propuesta se permita hacer presencia en la ciudad para presentar trabajos que conjugan lenguajes, prácticas y pensamientos que celebran la vida con producciones artísticas que horizontalizan la relación artista-espectador.
Si bien la oferta artística y cultural que observamos en la ciudad es diversa y pensada para diversidad de públicos, adolesce de opciones que abran el espectro a nuevas experiencias de relacionamiento y de vinculación con otras
teatralidades y aproximaciones significativas de la acción que ayuden a transvalorar lo estético con inquietudes sobre el territorio y con experiencias reflexivas en torno al arte, la escena y la participación.
PROGRAMACIÓN
INVITADOS
BRUNO TACKELS
(Francia)
Doctor en filosofía de la Universidad de Estrasburgo II, especialista en estética, ensayista y dramaturgista que trabaja con varios grupos de teatro y artes vivas. Realizador radiofónico, docente universitario. Investiga sobre artes vivas y educación artística. En la actualidad enseña como profesor invitado y como jurado en la Maestría Interdisciplinaria en Teatro y Artes Vivas de la Universidad Nacional de Colombia, Sede Bogotá.
Taller de los Callejeros
El callejero, en las calles, queda como en su casa.
El taller de “los callejeros” o de “la callejeada” se propone a partir de los planteamientos
de Walter Benjamin sobre perderse en la ciudad como una forma de ver, viajar y conocer.
Consta de dos momentos: el primero teórico: tiempo de lecturas y de reconocimiento de
los textos del autor; y el segundo práctico: tiempo para que cada participante pueda
apropiarse del método de trabajo desprendido de las reflexiones de Benjamin y
experimentar la callejeada como eco y prolongación del gesto de pensar la ciudad y el
espacio público.
En su impresionante Libro de los pasajes, el callejero Benjamin entrega las notas y apuntes
de sus deambulaciones infinitas (como su libro) en la ciudad de París, pero también deja
una especie de caja de herramientas que permite armar, más que un método, una postura
del callejero.
GUSTAVO SOLAR
(Chile)
Licenciado en Artes con mención artes plásticas de la Universidad de Chile, actualmente cursa estudios de filosofía en la Universidad de Buenos Aires, Argentina. Su amplísima producción performática le ha permitido presentar sus propuestas en muchos países latinoamericanos, en Estados Unidos y Europa. En su obra, la performatividad es una instancia para interrogar
políticamente el cuerpo, la identidad, los nacionalismos, las fronteras, las relaciones de poder y la construcción de dispositivos artesanales como estrategia de resistencia y emancipación. En compañía de Anibal Sandoval y de otros artistas, ha producido también una serie de propuestas que nombra performances bipersonales..
Crónicas de Sangre
Motocicletas amarradas a mis pies que simulan pilares de movilidad y portan contextos de
tránsitos en los que el individuo está entre esta nueva carne que son los medios precarizados que
tenemos para movilizarnos. Mi interés se centra en la relación erótica con los objetos motorizados
relacionando el descuartizamiento de Tupac Amaru. Atado a las motos pronuncio un manifiesto
sobre la performance mientras aquellas actúan como procesos de censura al hacer menos audible
mi voz por el ruido de los motores.
Taller de performance
desobediencia simbólica:
“La muerte y la mediumnidad en el performance “. Mitología artesanal
para la construcción de un ser para la muerte en Sudamérica.
El taller es un laboratorio de creación centrado en el cuerpo como dispositivo social, orgánico y
político en función de la producción contextual de signos y significados analíticos cuestionadores y
vivenciales. Entiendo el ser para la muerte como un espacio de autoevaluación de lo vivo con una
historia arraigada en nuestros ecosistemas.
El taller entregará herramientas básicas para el inicio de una práctica performática por parte del
tallerista a través de una serie de ejercicios tendientes a profundizar la conciencia del propio
cuerpo y del cuerpo colectivo como comunidad emergente, como vehículos de comunicación en
función de la construcción de un lenguaje mediumnico.
ALEJANDRO JARAMILLO
(Bogotá)
Artista audiovisual y de performance con experiencia en televisión pública dirigida
a la infancia y la juventud. Vive en Bogotá, Colombia. Su trabajo se centra en la
relación entre las historias de vida particulares con los relatos e imágenes
dominantes de los medios de comunicación. Tiene un título de Magíster
Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas. Investiga sobre el arte contemporáneo, los
medios masivos y el cuerpo. Es profesor asistente en el Instituto de Estudios en
Comunicación y Cultura - IECO y en la Maestría en Estudios Culturales de la
Universidad Nacional de Colombia. Es miembro de la Red de Artes Vivas de
Bogotá, la cual realiza diferentes actividades de difusión y formación de públicos
en la Capital.
LA CHIKI
La ChikiArtista interdisciplinar, transformista. Experta en moda, política y actualidad. Escribe para varios medios virtuales y tiene un amplio grupo de seguidores en redes sociales. Fan del takoneo; modelo y curadora aficionada; especialista en comunicación y educación conperspectiva de derechos humanos. En la actualidad realiza un proyecto de comunicación y artes sobre identidades, géneros, orientaciones y sexualidades. Es la invitada especial que clausurará nuestro evento Liminales 6, con su espectáculo de cabaret.
Caballo Cabaret
En Caballo, pretendo observar(me) el efecto de poner mi voz frente a otras voces. Y
configurar un espacio instalativo y performativo que produzca una polifonía. ¿Cómo es
esta experiencia de exposición a unos documentos?
Las voces audibles se convierten en el punto de configuración del espacio. Mi papel en la
escena es mezclar el sonido y acompañarlo; también, ayudar a que se produzca. La
dramaturgia de la pieza es la configuración de un orden espacial y temporal que permita
hacer audibles unas voces mientras otras son acalladas.
JULIO CÉSAR SALAZAR ZAPATA
(Medellín)
Maestro en Artes Plásticas y Magister en Antropología de la Universidad de Antioquia. Sus
intereses se centran en las potencialidades del cuerpo como herramienta y material de creación por lo que la performance, el teatro y la danza son los lenguajes artísticos en los que incursiona haciendo parte de colectivos artísticos y a nivel individual. Es docente del Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, investigador de la Red de Artes Escénicas de la Ciudad de Medellín y miembro del colectivo teatral ImaginEros y del colectivo de danza Odissi Om-Conexión.
Estímulos III
La propuesta, a modo de happening, busca propiciar la interacción y el relacionamiento del
performador con los asistentes y entre ellos. El performer ofrece, paulatinamente, una serie de
sustancias con las qué ir activando el cuerpo, la mente y el espíritu. Es un espacio para el
movimiento, la provocación; para conectarse consigo mismo, con el otro y lo otro a través de la
música, la palabra, los estímulos sonoros, visuales, olfativos, gustativos y perceptivos. Se propone,
mediante la ingesta de sustancias ancestrales, propiciar un ámbito de contacto en el que el
reconocimiento opere como acontecimiento, bajo la premisa de retar prejuicios e imaginarios
condicionados por la tradición y la cultura. Acompañado de tres artistas invitados, el performer
estimula a los concurrentes a ampliar la percepción y la sensibilidad.
EDWARD ALEXANDER ADARVE GIRALDO
(Medellín)
Licenciado en Educación Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia, ha sido performer del grupo de investigación – creación El Cuerpo Habla y participado en eventos de performance y arte de la ciudad. Su trabajo está comprometido con el trabajo social a través de las artes plásticas, como medio de expresión que permite un acercamiento a los diferentes sectores sociales para
denunciar prácticas de domesticación y control.
En-volver
Acción e intervención urbana con fines artivistas. Pretende hacer preguntas por aquellos lugares,
medios, personajes y clichés acerca del ser y vivir una experiencia física, económica, social, moral,
de culto y psíquica en la que predomina el sesgo, prejuicio y señalamiento social. En-volver
interroga centros de rehabilitación, clínicas de reposo, asilos, internados, hospitales y demás
territorios destinados para la medicalización y uniformidad del sujeto y la sociedad. No se trata
entonces de generar juicios sino, de dejar una incertidumbre abierta por la envoltura y el volver
periódicamente a estos espacios o territorios.
Retobar, lardear, emplayar, encabuyar, embojotar, liar, empetatar, embejucar, apretujar, enrollar,
sujetar, amarrar, embalar, ligar, enlazar, comprimir, prensar, agarrotar, estrangular,
despachurrar, chafar, estrechar, constreñir, estuchar, empaquetar, fajar , apretar, presionar,
oprimir, estrujar, enredar, implicar, complicar, rodear, circunscribir, acotar, embarcar,
comprometer, arriesgar, exponer, encuadrar, cercar, abarcar, incluir, encerrar, acordonar, mezclar,
volver, envolver.
CAMILO CUARTAS
(Medellín)
Performer y docente en artes, egresado del Departamento de Artes escénicas de la Universidad de Antioquia, Magister en Artes Performáticas de la Universidad de las Artes, Buenos Aires -Argentina.
El Remix
Propuesta de arte performático que pone en cuestión el estatus étnico, social, político, estético y
afectivo de lo mestizo en tanto entidad incompleta o, en todo caso, en falta de un centro que está
por fuera de sí, un lugar que no está en el territorio que habita, pero que se busca
desesperadamente. Lo mestizo aquí es entendido como posibilidad de mezcla: mezcla
desvergonzada; mezcla promiscua de lenguajes artísticos, así como de formas de conocimiento
que brega por hacer de lo mezclado, lo impuro, lo bastardo, lo contaminado, un lugar de
enunciación poético y político legítimo. La impureza nos viene dada a los mestizos de por sí, y
cualquier intento de blanqueamiento racial o social, sobre todo en la actualidad, es una quimera;
así que la propuesta es la posibilidad de hacernos dignos del acontecimiento que encarnamos en
la mezcla que somos.
DANIEL FELIPE ESCOBAR VELÁSQUEZ
(Medellín)
Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia y estudiante de la Maestría en Artes de la misma universidad. Ha participado en laboratorios de creación del Centro Colombo Americano; por dos ocasiones ha participado en la exposición itinerante “Colombia-Sur” en Noruega, Finlandia y Suecia. Hizo parte de imagen “Regional 8” del Banco de la República en Medellín y Bogotá y ha realizado numerosas exposiciones individuales.
Otredades anónimas
Ejercicio de escritura en el que un grupo de personas desconocidas se escriben cartas, firmadas
bajo un seudónimo. Cartas escritas por desconocidos, dirigidas a desconocidos, respondidas por
desconocidos. Para el funcionamiento de este ejercicio hay un cartero que guarda el secreto de la
identidad del emisor y el receptor, un cartero que juega con las intersubjetividades.
CARLOS MARIO JARAMILLO
(Medellín)
Candidato a Doctor en Artes de la Universidad de Antioquia, Maestro en Artes Plásticas de la misma Universidad, con estudios en violín y en la línea de investigación estética del Departamento de Filosofía. Se desempeña como docente de pregrado y de maestría en la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia donde es, a su vez, Coordinador Editorial de Artes La Revista. Su amplia experiencia docente la ha desarrollado además en la Universidad EAFIT, la Universidad Nacional, la Universidad Pontificia Bolivariana y el Colegio Mayor de Antioquia. Actualmente participa en diferentes semilleros y grupos de investigación en filosofía, estética y artes escénicas. Ha sido ponente en diversos seminarios, simposios y congresos dentro y fuera del país y es asesor de investigación y consultor pedagógico..
Conversatorio: Cuerpo en apertura
El ARTE se deja provocar por la acción que moviliza críticamente los lugares comunes de
producción de sentido; ha desterritorializado las formas modernas de la técnica y con ello ha
desacomodado a la forma de su hegemonía metodológica. La relación con el otro no está
determinada ya por un punto de vista. Hoy, nos preguntamos por el mundo que habitamos. Pocas
veces en la historia humana lo habíamos sospechado frágil. Esto ha provocado que hoy, la vieja
pregunta de ¿cuál es el papel del artista en la sociedad? sea también la pregunta por el lugar de la
acción que le da sentido a la vida, por un estar juntos para permanecer en la finitud del mundo.
Emerge en esta reflexión un umbral fronterizo entre el saber y eso que llamamos arte, que
colectivos o individuos en el siglo XXI abordan con inquietud febril, con liminalidad incesante, con
decisión política y con martillazos en su caminar. Son estas fronteras, tópicos y lugares de los que
gustaría hacer una conversación en el festival de Liminales.
Colectivo artístico El Cuerpo Habla
(Medellín)
El cuerpo habla nace en el 2003 por la necesidad de inquirir por la relación del arte, el cuerpo y la ciudad a través de la investigación- creación en artes. Nuestra propuesta ha generado una pregunta sobre el acontecimiento de la carne y cómo el cambio de paradigmas, que se promulga con la aparición de las vanguardias en el siglo XX, ha dado lugar a la expansión de conceptos como la representación, la resistencia y la fabulación. Apostamos por diálogos intra e interdisciplinares y propuestas pedagógicas con las que se aborda el arte, la relación con el sí mismo, el otro y el entorno, las cuales están abiertas a la multiplicidad, la divergencia y la variación.
El colectivo ha participado en diversos eventos académicos de Arte y Performance en Colombia y en otros países como Argentina, Chile, Brasil, Costa Rica y México, además de la publicación de los resultados de sus investigaciones, con las que ha obtenido premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional.
Conversatorio: Cuerpo en apertura
El Colectivo Artístico El Cuerpo Habla presenta la performance Agotar, una
propuesta que parte de la problemática del país y del mundo alrededor de la
explotación de los ríos y los intentos de las comunidades por conservarlos
como parte de los ecosistemas y de la vida.
Nuestra práctica artística está atravesada por conceptos de orden ético, político
y estético que nos permiten hacer preguntas por el lugar y la relación de
nuestro devenir comunidad en un país como Colombia; en este sentido,
queremos generar desde el arte y la performance un llamado a un pueblo que todavía no existe y así convocar al cuidado de las ecologías que habitamos en un gesto de hermandad y de conexión con la vida.
Se propone generar un acontecimiento que detone preguntas sobre nuestro
devenir naturaleza y su instrumentalización como recurso; en este sentido, se hará una acción que consiste en recorrer diferentes caminos, partiendo de un ánfora grande llena de agua ubicada en el espacio, de la que 10 performistas tomarán de su contenido y la pasarán de mano en mano en un trayecto rizomático, estarán instaladas en el espacio alrededor de 200 vasijas de barropequeñas. La última persona del trayecto depositará la gota de agua que haya
llegado a sus manos en cada una de las vasijas. Los performistas tendrán
como vestuario unos pantalones tipo falda en colores tierra donde quedará el
rastro del agua derramada al pasarse de una mano a la otra.
YAMPOL CARMONA
Licenciado en Educación Básica en Danza y estudiante de Maestría en Artes de la Universidad de Antioquia. Formador, director, coreógrafo e intérprete que encuentra en la danza folclórica colombiana y la afro contemporánea su campo de proyección artística. Su investigación, “La Masculoca”, pretende diversificar la construcción sociocultural de la masculinidad paisa presente en las danzas tradicionales antioqueñas mediante la apropiación del término “loca” y las transgresiones a los preceptos heteronormativos presentes en la reglamentación de movimientos.
Bailarín de la Corporación Dancística Matices, ha participado en eventos nacionales e
internacionales de danza tradicional.
Los Demonios de la MASCULOCA
Ya es momento de que los estudiados, los mirados, los exóticos, podamos hablar por nosotros mismos.
Lukas Avendaño, 2018.
La propuesta muestra ese ser nacido con sexo masculino, atormentado por demonios (estereotipos) creados para ejercer poder sobre su cuerpo, privándolo de todo contacto con aquello considerado como femenino y desterrando todo ademán que pueda trasgredir eso que no está en el libreto de la hombría paisa. Yannina Magdalena Posso hace uso de un elemento que, por muy insignificante que parezca, funciona como talismán que ahuyenta esos demonios que la atacan. Sus tacones se convierten en símbolo de resistencia recordando esa frase que la dejó putrefacta, intacta, detenida en el tiempo: “usted puede ser lo loca que quiera, pero en el escenario tiene que ser un macho”.
YAGÉ ENSAMBLE
(Medellín)
Es un grupo con una propuesta musical que pretende establecer relaciones de alteridad sonora entre músicas tradicionales de América latina y elementos armónicos y melódicos contemporáneos que han emergido del jazz y de la experimentación con el sonido; permitiendo hacer un recorrido por lo que ha significado las expresiones musicales afrodescendientes y amerindias que con la influencia de la música occidental – ya sea desde el lugar de la resistencia o de la aceptación – dieron como resultado otras maneras de expresar los sentimientos humanos.
Los Demonios de la MASCULOCA
La puesta en escena musical hace un recorrido por diferentes países de América; viajando a través del tango argentino, el son cubano, el landóperuano, la cumbia colombiana, entre otros. Es un reconocimiento a las músicas que como manifestación artística quiere resaltar el valor que representa para los pueblos las expresiones culturales propias de cada país, dentro de un universo sonoro que radica su importancia en la diferencia.
Las prácticas escénicas contemporáneas son el resultado de la articulación de haceres artísticos en diálogo con saberes sociales y humanos que sustentan la presencia de otras miradas y sensibilidades, desde las cuales se generan dispositivos de creación que incluyen las diferentes voces de la colectividad.
En Liminales, los modos de creación y producción encuentran un ámbito propicio para potenciarse con un pensamiento sensible que permita una lectura amplia de alteridades en contextos que favorecen el reconocimiento y acercamiento a lo diferente, en aras de fomentar experiencias estéticas entre creadores e invitados y de ellos con el entorno.
Realizar una programación artística en la cual las propuestas escénicas dialoguen entre las artes o con otras disciplinas como antropología, política, economía, ingeniería, etc.
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